Interview avec Shuji Nakagawa de NAKAGAWA MOKKOUGEI [première partie]

Visite d’un artisan de seaux en bois qui met en œuvre plus de 700 ans de savoir-faire traditionnel et d’idées innovantes de niveau international

ANAORI : Tout d’abord, pourriez-vous vous présenter ?

Nakagawa : Je m’appelle Shuji Nakagawa. Je travaille pour NAKAGAWA MOKKOUGEI et je fabrique des seaux en bois. L’activité de notre famille a débuté lorsque mon grand-père est devenu apprenti dans un atelier de seau de bois établi de longue date à Kyoto. On dit que 100 ans environ se sont écoulés depuis le début de son apprentissage.

ANAORI : Votre grand-père, votre père et puis vous avez travaillé comme menuisier. De quelle manière cela s’est-il fait, et comment le style a-t-il évolué au fil des générations ?

Nakagawa :

Lorsque mon grand-père a commencé à travailler comme apprenti fabricant de seaux en bois, ceux-ci étaient largement utilisés dans la vie quotidienne des Japonais, dans laquelle ils servaient par exemple de seaux de bain, boîtes à riz, seaux à sushi, seaux à miso et à sauce soja, et même de cuvettes. À l’époque, il y avait vraisemblablement des dizaines de seaux en bois par maison, mais avec la reprise des activités par mon père puis par moi, les seaux en bois ont été de moins en moins utilisés dans la vie quotidienne.

Ceux-ci ont ensuite été remplacés par des produits en plastique et des produits industriels. C’est dans ce contexte que nous avons choisi de faire de ces ustensiles banals du quotidien de magnifiques seaux destinés à être utilisés dans les restaurants et les auberges comme récipients symboles de l’hospitalité. Je pense que c’est ça qui nous a permis de rester en activité.

Lorsque mon grand-père travaillait comme apprenti, il y avait près de 250 marchands de seaux dans la seule ville de Kyoto, mais le secteur a connu une régression brutale et aujourd’hui, il n’en reste plus que quelques-uns, peut-être quatre ou cinq. C’est dans ce contexte de changement profond de l’usage des seaux dans le quotidien que mon père a fait évoluer ses techniques de fabrication pour en faire un art artisanal, ce qui lui valut d’être certifié comme trésor national vivant et détenteur d’un important bien culturel immatériel en 2001.

Le titre de trésor national vivant est décerné à titre individuel, et non à un atelier. C’est pour cela que j’ai ouvert mon propre atelier à Shiga en 2003, afin d’établir une distinction claire entre mon travail et celui de mon père. Nous nous répartissons actuellement les tâches entre deux ateliers : NAKAGAWA MOKKOUGEI chez mon père à Kyoto et Nakagawa Mokkougei Hirakoubou→NAKAGAWA MOKKOUGEI Hirakoubou à Shiga.

ANAORI : Quelle sorte de formation avez-vous suivie, M. Nakagawa ? De quelle manière avez-vous appris ces techniques ?

Nakagawa :

J’ai maîtrisé l’art des seaux en bois sous la direction de mon père. Officiellement, c’était après avoir obtenu mon diplôme universitaire. Mais l’atelier était pour moi un terrain de jeu depuis ma petite enfance, avant même d’aller à l’école primaire. Les copeaux et morceaux de bois me servaient alors de jouets, et je m’amusais à couper, raboter et coller des choses. Mon travail est donc naturellement devenu une extension de ces jeux, et quand j’ai obtenu mon diplôme universitaire, j’étais capable de fabriquer des seaux en bois sans avoir suivi de formation particulière.

ANAORI : En dehors de l’apprentissage de ces techniques, quels autres domaines vous intéressaient ? Quelle sorte d’entraînement avez-vous suivi ?

Nakagawa :

Je ne sais pas trop si on peut appeler ça un entraînement, mais lorsque j’étais adolescent au lycée, j’étais quelque peu réticent à l’idée de suivre les rails qui avaient été tracés pour moi et de diriger l’entreprise familiale. Quand j’étais à la maternelle et au primaire et que mon grand-père et mon père me demandaient si j’allais reprendre leur magasin de seaux en bois, ils se réjouissaient quand je leur donnai une réponse positive. Mais quand j’avais ma période rebelle à l’adolescence, je voulais découvrir d’autres mondes. C’est pour cela que je suis allé à l’université d’art, où j’ai étudié la sculpture en fer de l’art contemporain, et j’ai exploré les possibilités de cet autre monde.

Mon grand-père avait commencé comme apprenti et mon père après avoir terminé le lycée. On m’a aussi toujours dit qu’il n’était pas nécessaire d’aller à l’université parce qu’un artisan apprendrait son métier plus vite s’il se formait et commençait à travailler le plus tôt possible. J’étais toutefois réticent à commencer à travailler comme fabricant de seaux tout de suite après le lycée, et c’est pour cela que j’ai choisi d’aller à l’université. Ma famille y était opposée, j’ai donc prétexté que je pourrais apprendre des choses utiles à la fabrication de seaux en obtenant mon diplôme de l’université d’art. C’est ainsi que je suis entré à l’université, dans l’espoir vague de trouver une autre voie. Voilà comment j’en suis venu à étudier le monde de la sculpture contemporaine.

Cela dit, mes quatre années à l’université m’ont surtout permis de réaffirmer mon amour pour l’artisanat. Être né dans une famille d’artisans me rebutait au début un peu, mais à la fin de mes études, je considérais plutôt que j’étais chanceux. J’ai donc commencé à travailler comme fabricant de seaux après mes études. Cependant, ce que j’ai étudié à l’université était également très intéressant, si bien que j’ai pu travailler sur les deux fronts. Après avoir obtenu mon diplôme, j’ai loué un studio préfabriqué en tant qu’atelier pour mes sculptures, et je travaillais comme menuisier de 8 h à 23 h tous les jours de la semaine. En échange, mes jours de repos étaient le weekend. Je me rendais alors à l’atelier, où je passais la nuit, pour créer des sculptures en acier. J’ai vécu ainsi pendant plus de dix ans après avoir fini mes études à l’université.

ANAORI : Fabriquez-vous encore des sculptures aujourd’hui ?

Nakagawa :

Je n’avais pas l’intention d’arrêter, mais j’ai été tellement occupé par le travail du bois, surtout depuis que j’ai créé mon propre atelier en 2003, que je n’ai pas vraiment été en mesure de poursuivre mes activités de sculpteur. Je n’ai plus fait de sculpture depuis près de 20 ans, mais ce qui est intéressant, c’est que les temps ont changé et que les mondes de l’art et de l’artisanat sont désormais mêlés. J’ai récemment commencé à exposer mes travaux en tant que fabricant de seaux en bois dans des expositions d’art contemporain. Le cours du temps est bien étrange et a donné naissance à un phénomène que je trouve intéressant : au cours des vingt dernières années, les mondes de l’artisanat et de l’art se sont mélangés alors qu’ils formaient avant cela deux mondes bien distincts.

Nakagawa :

Les artisans traditionnels ont tendance à dédaigner le design. Ils sont comme l’eau et l’huile, surtout ceux qui sont têtus et qui accordent une grande importance aux traditions. Mais ayant pour ma part étudié le design, l’art contemporain et l’artisanat à l’université, je ne fais pas vraiment la distinction dans mon esprit. Je pense donc que, d’une certaine manière, le fait d’avoir pu combiner le design et l’artisanat de manière naturelle constitue une de mes forces.

Si de nombreux projets de design d’artisanat traditionnel échouent, c’est en général parce qu’ils font venir un designer célèbre qui passera une journée dans l’atelier de l’artisan, puis qui enverra quelques semaines plus tard un fax avec une proposition de design que l’artisan devra suivre. Il arrive que l’artisan fasse comme on lui dit, mais je pense qu’il est plus fréquent que les collaborations avec des designers échouent, car soit ceux-ci ne font qu’envoyer leur plan, soit ils ne connaissent qu’une partie des travaux en atelier.

C’est pour cela qu’au lieu de fabriquer ce qu’un designer me demande à la lettre pour une collaboration, je préfère m’entretenir longuement avec celui-ci et lui faire visiter en profondeur mon atelier pour qu’il comprenne bien mes techniques avant de me proposer un design, et ainsi tisser une étroite relation avec lui.

J’ai par exemple collaboré avec Oki Sato de nendo, dont les créations sont vraiment magnifiques. Pour mener à bien cette collaboration, il est venu me rendre visite plusieurs fois dans mon atelier, et nous avons discuté de la forme jusqu’à très tard dans la nuit. Une de ses propositions avait alors enfreint une des règles d’or des seaux.

Les seaux sont entourés de plusieurs cerceaux et le fond est généralement entre ceux-ci, mais il m’a proposé de n’utiliser qu’un seul cerceau, ce qui est généralement considéré comme étant impossible. Mais le design qu’il a proposé était si beau que j’ai passé près d’un mois à réfléchir à un moyen de le concrétiser. Au final, en utilisant ce principe, je me suis rendu compte qu’un cerceau pouvait avoir l’effet de deux, et j’ai ainsi pu créer cet ouvrage et donner corps à son design. Le rapport entre design et artisanat est vraiment incroyable.

Je me suis rendu compte à travers cette collaboration avec un designer que les techniques de fabrication de seaux en bois, qui existent depuis 700 ou 800 ans, pouvaient encore être renouvelées.

1996: Remporte le prix d’excellence à l’exposition d’art et d’artisanat de Kyoto

1998: Remporte le grand prix à l’exposition d’art et d’artisanat de Kyoto

De 2001 à 2005:  il a enseigné à temps partiel à l’Université des arts et du design de Kyoto

2010: Conçoit une glacière de champagne officielle pour Dom Pérignon

2016: Le tabouret KI-OKE STOOL en cèdre lignitisé rejoint la collection permanente du V&A Museum à Londres, en Angleterre

2016: Le tabouret KI-OKE STOOL en cèdre lignitisé rejoint la collection permanente du Musée des Arts décoratifs de Paris

2017: Finaliste du Loewe Craft Prize

2021: Vainqueur du 1er Grand Prix de la culture japonaise

2021: Vainqueur du 13e Prix de la création de tradition

Il a notamment participé à de nombreuses expositions individuelles et collectives au Japon et à l’étranger. Il également est membre du groupe de jeunes artisans traditionnels GO ON à Kyoto depuis sa fondation.